Yo Robot: una nueva rebelión

Parece imposible creer que "Yo Robot" es un filme basado en el libro del mismo nombre publicado en 1950, escrito por el bioquímico ruso Isaac Asimov, quien terminó por dedicarse a la literatura de ciencia ficción. Asimov ha basado sus principales obras en torno al desarrollo de la robótica.

La película, dirigida por Alex Proyas(2004), esta basada en la recopilación de cuentos del libro de Asimov. Entre ellos destacan: "Robbie", "Círculo Vicioso", "Razón", "Atrapa esa Liebre", "¡Embustero!", "Pequeño Robot Perdido", "¡Fuga!", "Evidencia" y, especialmente en "El Conflicto Evitable". La mayoría de esos cuentos están protagonizados, al igual que en la película, por Susan Calvin.

"El conflicto Evitable" es el título que inspira principalmente al filme, pues pone especial énfasis en las tres leyes de la robótica planteadas por Asimov, que corresponden a un conjunto de normas establecidas para la perfecta coexistencia con los robots y un ideal desempeño en su vida útil. Sólo de este modo, la humanidad se asegurará de que estos fueron programados para proteger y servir a los seres humanos.

(ADVERTENCIA: DE AQUÍ EN ADELANTE EXISTE GRAN CANTIDAD DE CONTENIDO DE LA TRAMA)

Susan Calvin es la protagonista de varias de las historias del libro, y a su vez, es la co-protagonista de la película junto al detective Spooner (Will Smith). Ella es experta en robopsicología, una versión de la psicología para robots, defensora de dichas leyes y quien jamás dudaría en que éstas pudiesen ser violadas.

No así el detective Spooner, quien desconfía de sobremanera en los robots. Duda que estos puedan ser una ayuda, y los ve más bien como una amenaza para la humanidad. Spooner llega al punto de utilizar objetos más antiguos en su vida cotidiana, como una motocicleta a bencina (elemento casi obsoleto para la época), zapatillas de baja tecnología, y solía manejar de manera manual, lo cual era totalmente inusual en ese contexto de modernidad.

Todo esto refleja la obsesión que tenía y una sobre desconfianza en la robótica como consecuencia de una experiencia del pasado que costó la vida de una niña.
Sin embargo, y lejos de lo que Calvin pensaba, estas leyes son violadas por los robots, quienes comienzan a entrar en conflicto con el cumplimiento de sus reglas. V.I.K.I. interpreta la primera ley de una forma distinta a la real.

Es aquí donde comienza el mayor conflicto. Como ya se adelantó, los robots comienzan a ver que en realidad los principales destructores del hombre es el hombre mismo, por lo que debe - según lo que cree V.I.K.I.- estar subordinado a los robots para estar protegidos. Pero para lograr este fin es inevitable la destrucción de los seres más violentos, lo cual generará una revolución de los robots contra los humanos.

La incredulidad de Spooner llevará a Calvin a abrir los ojos y descubrir que la perfección no existe y que las reglas fácilmente pueden tener una doble interpretación.

Lo que considero irónico dentro de la película es que Spooner, como se ha dicho, odia a los robots, pero él es en parte uno de ellos. Si bien no tiene un chip que lo controle, su cuerpo - tras un accidente- es mitad hombre y mitad robot, similar al caso de Robocop.

Otro punto importante dentro de esta película es algo que se ha dado no sólo en Yo Robot, sino que también en cintas como Inteligencia Artificial, dirigida por Steven Spielberg en 2001. Los robots en sí, como género, son seres iguales, sin ninguna diferencia al menos en lo primordial. Pero ya vimos cómo el robot protagonista de la película de Proyas insiste en ser único en su especie.

Inteligencia Artificial, fragmento "El hada azúl"

Así vemos cómo un robot comienza a tener aspiraciones como cualquier hombre, en este caso, ser único. El robot protagonista, insiste en que puede soñar, guardar secretos e incluso llegar a sentir.

Es curioso, por decir lo menos, cómo un ser supuestamente perfecto (el robot) desea ser como el hombre, y más curioso aún es cómo el ser humano desea cada vez ser más parecido a un robot, emulando sus virtudes gracias a la tecnología.

El robot o el ser humano perfecto no es el que tiene más fuerza o más sentimientos, sino aquel que pueda tener ambas virtudes. La perfección nunca ha existido y ni siquiera en las películas se ha podido solucionar. Esto demuestra que los robots, al ser creados por un ser humano, terminan siendo igual de imperfectos que el hombre, porque su esencia es creada por uno.

Lo que ocurre es que éste, al solucionar la principal debilidad del ser humano (la muerte) parecen casi perfectos, pero si nos adentramos a su lógica, siempre tendrán algún error, al menos así queda demostrado en Yo Robot y tantas otras películas que se refieren a la Inteligencia Artificial.

Trailer Yo Robot

Estreno: Los Piratas del Caribe

En general, cuando se une una buena producción (Jerry Bruckheimer, creador de series de la grandeza de Close to Home y Withouth a Trace) junto a una gran dirección (Gore Verbinski), grandes actores y un mejor guión, sólo puede suceder algo como esto: Piratas del Caribe. Hablo de la trilogía, no sólo de la primera y la última, estrenada este año, que son claramente las de mejor argumento y precisión dramática. Ir al resto del Elenco.
Por: Mº Soledad Banda.


No es sólo una historia de piratas y fechorías, sino la poco casual conjunción de una monstruosa maquinaria publicitaria, buenos efectos especiales y la capacidad de los guionistas de crear toda una red dramática que nos permite entender la base del mundo en que pudieron haber vivido estos navegantes de los siete mares. Claro está, mezclada con un toque de humor sarcástico.

La historia central de la trilogía corresponde a Elizabeth Swann (Keira Knightley) una señorita de sociedad enamorada de Will Turner (Orlando Bloom), un herrero al que no le está permitido acercarse a ella por su baja condición social, quien se convierte en pirata para rescatarla luego de que los tripulantes del Perla Negra la secuestraran.

Elizabeth Swann y Will Turner

Durante la trilogía se muestra el crecimiento de los personajes y los actores, no sólo en edad (Orlando Bloom comenzó el rodaje de la primera parte con 23 años y este año cumplió 30) sino también su carácter, que va evolucionando en función de los retos que deben afrontar. Ante esto cabe citar una de las entrevistas hechas a Keira Knightley antes del estreno, donde comentó: “He pasado de ser una señorita a ser un chicazo, y me gusta ". Ve la entrevista completa aquí.


En cada uno de los filmes, el director permite a los espectadores entrar en la interioridad de cada uno de los personajes y, de este modo, entender los motivos que los llevaron a la piratería o simplemente las razones de su maldad. De este modo, reconociendo que la base de la historia es ser una película dedicada a los niños, podemos descubrir un corazón destrozado por una traición amorosa en el Legendario Capitán Davy Jones, o la rabia en la adivina Dalma, deidad marina atrapada en el cuerpo de un ser humano. Se nota la mano de Disney: siempre es posible dejar una enseñanza.

El caso de Jack Sparrow (Johnny Depp) es distinto. Su personaje es casi el acompañamiento de la trama, pero el peso que adquiere dentro del relato de los acontecimientos, le permite ser el hilo conductor de todas las historias, y la base para la resolución de todos los conflictos. Más que sólo un personaje, es posible asegurar que sin Sparrow, Piratas del Caribe no habría tenido el increíble éxito de taquilla que fue posible observar.

Jack Sparrow, interpretado por Johnny Deep

Basta recordar que en la última parte de la trilogía: Piratas del Caribe – En el Fin del Mundo, estrenada el pasado 24 de mayo, el motivo del viaje de los personajes es salvar a Sparrow del baúl de Davy Jones, una especie de limbo donde se encuentra atrapado. Prácticamente en esta última entrega se convierte en el absoluto protagonista, algo que más de alguno de nosotros estaba esperando.

Piratas del Caribe "En el fin del mundo", trailer

El cine y la educación: "Los Coristas"

Cuando pensamos que todo está perdido, siempre llegara alguien a demostrarnos que no es así. Es el caso de Clement Mathieu, este profesor de música que con su amor y vocación logra dar vuelta una situación y unos niños que, al parecer, estaban completamente perdidos.
Por: Carolina Cepeda M.


En Los Coristas la trama se desarrolla en Francia, en un "orfanato - reformatorio" de la posguerra, cuyos alumnos tienen entre 8 y 13 años.

El relato transcurre casi por completo en el interior de la escuela, excepto las breves escenas, en las que medio siglo después, dos de esos chicos del coro leen las memorias del maestro. A pesar de que no se traspasan las paredes del internado, el director del filme Christophe Barratier, logra ubicar con gran precisión el contexto social de la escasez y las penurias económicas de aquel periodo histórico (1949).

Los Coristas, trailer

Clément Mathieu (Gérard Jugnot) es un profesor de música desempleado. Esto hasta que es contratado como preceptor vigilante en un instituto correccional de menores. Ahí, a través de ineficaces y represivas políticas, su director Rachin (Francois Berléand), intenta con dificultad mantener disciplinados a estos "alumnos problema".

A Mathieu lo sorprende la cruda realidad de la rutina del colegio, y los métodos utilizados por el director en su desesperado intento de imponer disciplina. La escena observada le despierta al profesor mucho desconcierto y compasión por los chicos.

¿Pero qué ve al llega? Ve a un niño esclavizado, limpiando el piso. Al portero que se corta la cara con un vidrio por una trampa confeccionada por uno de los alumnos. Y, finalmente, al director imponiendo un castigo cruel a un niño elegido al azar, porque nadie ha confesado su culpabilidad en el incidente de la trampa.

Ante la situación, comienza a planear un cambio para "rescatar" a los niños. En este proceso descubre que la música atrae poderosamente el interés de los alumnos, por lo cual se entrega a la tarea de familiarizarlos con el canto.

Clément Mathieu y el coro del instituto correccional de menores

Logra formar con ellos un coro. Y gracias al poder y la magia de la música, el maestro consigue que sus vidas cambien para siempre. Descubre al talento en bruto, también indisciplinado; al niño tímido del cual los compañeros se aprovechan, y al portero bonachón que se une a la causa del protagonista, motivado por la propuesta.

En la película todos esos niños eran personas inexistentes. Sólo trabajaba su físico, pero su “ser” estaba totalmente perdido. Fue Clement Mathieu quién, a través de su música, traspasó la barrera que ellos tenían con los mayores. Así se mostraron tal cuales eran: niños inocentes en busca de afecto.

Revisa la ficha técnica de Los Coristas, aquí.

Cine Argentino: Nueces para el Amor

Nueces para el amor (2000) es, sin lugar a dudas, un filme de temática transversal. No es un documental sobre Sui Generis, tampoco una clase de la historia contemporánea de Argentina ni una novela de amor. Lo es todo en un solo formato.
Por: Carolina Cepeda M.


Las primeras imágenes correspondientes al concierto de despedida del mítico dúo de rock argentino Sui Generis. Así Alberto Lecchi, director del filme, da comienzo al filme. Corre el año 1975 en Buenos Aries, Argentina. Bajo el contexto de los últimos años de gobierno de Isabel Perón y el comienzo de la dictadura militar, Alicia y Marcelo se conocen en el tranvía que los llevará camino a casa después del mítico show.

Sui Generis, "Canción para mi muerte" (concierto de despedida)

El primer encuentro, como los otros que vendrán en los años próximos, es en un tren urbano. Ahí los protagonistas de esta película comenzarán a hilar una historia inimaginable.

Son dos polos opuestos. Alicia tiene 20 años, es universitaria y se mantiene sola. Marcelo, en tanto, tiene sólo 17 y aún está en el colegio.

Sin embargo, a medida que los años pasan ambos viven encuentros y desencuentros. Se separan una vez, dos veces… tres. Los roles se intercambian constantemente.

En el inicio ella era una chica activista, de gran compromiso social (algo común en los jóvenes universitarios de la época). A él, en tanto, sólo le importaba salir con sus amigos… ¿pero continuarán con sus mismos ideales, al pasar el tiempo? ¿Podrán reconocerse el uno al otro? ¿Transcenderá un amor de juventud a uno maduro?

Marcelo y Alicia en la década de los '70

Los personajes, a pesar de la magia existente entre los protagonistas, logran ser creíbles. El tratado de la fotografía logra gran mérito en la primera parte. Además, cuenta con buenos recursos audiovisuales como el de los testimonios de los personajes, lo cual refuerza la credibilidad.

Nueces para el amor es un filme interesante. Totalmente recomendable para quienes deseen apreciar una historia de amor envuelta de un contexto temático de relevancia. Vale destacar que cada encuentro y despedida coincide con algún hito histórico. Este detalle eleva aún más a esta película, pues consta de un gran trabajo de guión y documentación.

Puedes leer la crítica al filme, haciendo click aquí.
Conoce la ficha técnica de Nueces para el Amor, acá.

Terminator III, La rebelión de las máquinas

En el 2023 las máquinas envían a la terminator T-X, un prototipo capaz de dominar otras máquinas, modular la voz como un módem, desactivar y hasta reprogramar cualquier computador, inclusive al mismísimo T-800. El poder más absoluto que se le pudiera conceder a un robot, pues está claro que lograr manejar otras máquinas esta vez si la hacen un ser invencible a la lógica, excepto si tiene que enfrentar una guerra nuclear.
Por: Carolina Cepeda M.

Terminator III, trailer

T-X debe matar no sólo a John, sino que ahora tiene más blancos: sus terratenientes y compañeros más importantes del líder humano del futuro, entre ellos su esposa Kate Brewster. Pero ellos no estarán solos, de su lado estará otra vez el T-800, el cual está en clara desventaja frente a T-X.

John, "T-800" y Kate Brewster

En esta película la visión del Terminator más viejo cambia. Llega al pasado tras ser programado por Kate, luego de que T-800 matara a John en el 2023.

Nuevamente la evolución del cyborg se divide en dos, según cada organismo cibernético:

T-800 y T-X

- T-800: Un modelo antiguo, casi obsoleto, pero que sirve de defensa para los humanos. En esta película adquiere un nuevo rol. Las cosas ya no son buenas o malas, también hay puntos intermedios. El T-800 muestra su primera gran debilidad, ser controlado por un robot más moderno, lo que hará que traicione su misión inicial e intente matar a John y a Kate.

- T-X: Este robot mujer es sin duda el más espectacular de todas las películas Terminator. El cyborg más inteligente de todos, el razonamiento, la inteligencia ya están más desarrollados. La capacidad de controlar otras máquinas hace que su fuerza sea invaluable, vencerla parece imposible. Entre sus características por ejemplo está el reconocimiento del ADN a través de la lengua, el cual le sirve para identificar a sus víctimas. A diferencia del T-1000 en que el arma más poderosa que surgía de sus brazos eran cuchillos, ahora son armas de fuego muy potentes, las cuales si se dañan pueden ser reemplazadas por otra mejor.

"T-X", interpretada por Claire Danes

La única forma de acabar con el T-X será al final de la película, cuando explota la bomba nuclear y destruye todo lo que está a su paso. John Connor y Kate Brewster logran salvarse en un refugio del Estado norteamericano.

Terminator II, El juicio final.

Para continuar con la triología de Terminator, te contaremos a continuación la segunda película. Si eres del tipo de personas que odian saber cómo terminará una película, antes de verla, será mejor que no sigas leyendo.

Por: Carolina Cepeda M.

Terminator II, también dirigida por James Cameron, fue la película más cara en el término de su rodaje. Fue pionera en la utilización de ordenadores para generar la presencia del antagonista del filme.

Se le atribuyen cuatro premios Oscar en: mejores efectos visuales, mejor sonido, mejor maquillaje y mejor edición de sonido. Todo esto justificado, pues fue un gran salto audiovisual. Superó con creces a su antecesora.

Una vez más contó con el protagónico de Arnol Schwarzenegger, quien estaba en su mejor momento actoral.

Terminator 2, trailer

Esta película viene a cambiar la mentalidad del espectador, quien cree a raíz de lo visto en la primera versión, que los terminator son malos, seres casi invencibles capaces de destruir todo y sin asco de matar a los humanos de la forma más salvaje que se pueda pensar.

John Connor tiene 13 años, su madre Sarah está en el siquiátrico porque nadie le cree su versión respecto al futuro y el fin de la raza humana. Que por cierto cabe destacar que para las personas es mucho más fácil catalogar de locos a aquellos que vienen a romper los esquemas.

El terminator T-800 viene en rescate de John Connor para defenderlo de una nueva amenaza:

el T-1000. Un “prototipo poli amalgamado” de metal líquido capaz de copiar formas del mismo tamaño y así aumentar su poder asesino.

T-1000 transformado

La figura de Arnold Schwarzenegger, como el Terminator, cambia radicalmente. Es en esta película donde por fin cada claro el funcionamiento del T-800. Este es manejado por un chip que controla sus funciones, el cual es re-programado en el futuro por John para que lo rescate de las posibles amenazas.

Terminator T-800 y John Carter

Aquí, al igual que en la última parte de la triología, se muestra una resistencia hacia las máquinas que se vuelve un tanto irónica al tener que usarlas para combatir al enemigo. Es como aquel dicho: “si no puedes contra tu enemigo, únete a él”. Lo que demuestra que por más que se busque una independencia de las máquinas igual serán estas necesarias.

Finalmente T-1000 es quemado en el ácido al igual que T-800. Sarah y John pese a la tristeza de haber perdido a su amigo robot, están tranquilos porque creen que pudieron impedir la guerra nuclear, al destruir la empresa que crearía a Skynet.

Lee la crítica a Terminator 2, aquí.

Terminator I, EL INICIO DE UNA TRIOLOGÍA

El cine, a través de sus innumerables obras de ciencia ficción, ha logrado deleitarnos con sorprendentes avances tecnológicos. Terminator, una triología de culto, nació bajo el contexto de la guerra Fría… Un mundo sobreviviente a los atisbos del siglo XX.
Por: Carolina Cepeda M.

La humanidad estaba decepcionada de los avances tecnológicos, pues por ellos vieron amenazada su integridad. Pero ¿por qué es importante recurrir a estos antecedentes?. Es fundamental saber bajo qué acontecimientos fueron creadas las películas. Sólo de esta manera el espectador podrá entender a cabalidad los códigos insertos en ellas.

Terminator I, la primera de James Cameron. Trailer

1984, último período de la guerra fría. La sociedad estaba cansada de los conflictos bélicos, los problemas políticos y económicos. La década de los ’80 se recuerda más bien como el período en que las personas despertaron del letargo y comenzaron a alzar la voz y protestar en contra de las injusticias. La sociedad nunca más se quedó callada.

Bajo esta premisa aparece la primera película de Terminator. Su historia se basa en la salvación del mundo, pero no del actual, sino que del futuro. Sarah Connor es la protagonista, quien engendrará a un hijo, John: el salvador de la humanidad.

Por ello las máquinas que dominan el mundo en el año 2029 deciden enviar a un Terminator, Ciberdine 101 modelo T-800, un robot inteligente creado para destruir, pretendiendo así eliminar a Sarah.

Pero Sarah no estará sola. La resistencia de la raza humana a las máquinas del futuro envían a Kyle Reese, una persona común y corriente que se enamora de la protagonista, de ellos nacerá John O’Connor.

Kyle Reese y Sarah O'Connor

Los militares del futuro crearán una inteligencia artificial llamada Skynet para tomar decisiones estratégicas. Skynet descubre que la raza humana es una amenaza, por lo que decide destruirla. Es así como decide tomar el control de varias armas nucleares de los principales países del planeta y lanza un ataque termonuclear total, creando una guerra entre los hombres y las máquinas.

La principal característica de Terminator es que si bien es de acero y tiene un sistema computarizado, por fuera tiene tejido humano que incluso es capaz de sangrar y sudar como cualquiera. Esta primera característica del robot es interesante, porque pese a ser un robot, una máquina inmortal capaz de destruir lo que se le cruce, tiene características humanas. Es más, quiere emular a una persona. Pretende ser perfecto.

Arnold Schwarzenegger en Terminator I

En Terminator I el cyborg es un exterminador, en que sus armas más poderosas son la inteligencia, la fuerza y la capacidad de pasar por una persona más.

En el comienzo de la película, Reese le explica a Sarah la situación del futuro. Los humanos eran exterminados tan sólo por ser de esa raza y los que quedaban vivos eran marcados para servir como esclavos. Situación que por supuesto nos recuerda de inmediato lo ocurrido en el Holocausto.

Pero esto tiene una significación más. La gran guerra, cuando las máquinas se apoderan del planeta -o de lo que queda de él-, tiene una característica importante. Es una guerra nuclear la que termina con la mayoría de los humanos. El miedo más latente para la sociedad del ‘80 y en general de toda aquella que vivió el período de la Guerra Fría.

En esta versión, el cyborg T-800 es un ser duro y sin duda invencible, aunque como es de esperar en un final clásico de cine, deja de serlo para que la protagonista pueda tener un final medianamente feliz.

La lucha parece estar clara, el vencedor es obvio. Nada puede hacer un humano frente a un robot antibalas erudito en el uso de las armas. Pero ¿qué hace la diferencia entre la persona y la máquina? El razonamiento, el cual será la clave para desequilibrar la balanza y darle el triunfo momentáneo a Connor.

Revisa la ficha técnica y la crítica de Terminator I, acá.

OTRA LECTURA: "Perdidos en Tokio"

¿Qué sucede cuando un filme tiene una lectura alternativa? Muchas veces, las películas son creadas con esa intención. Sin embargo, en otros casos esto sucede por casualidad.
Por: Carolina Cepeda M.


Perdidos en Tokio puede ser visto desde otra perspectiva. Quizás llegue a romper toda lógica, pero me parece coherente, apelando al siguiente argumento:

(Advertencia: de aquí en adelante existe gran contenido de la trama)

Bob Harris (Bill Murray) es un actor de mediana edad. Viajó a Tokio para participar como rostro publicitario en una campaña de wisky. Su vida es solitaria, introspectiva y con un matrimonio desgastado.

Por otro lado, Charlotte (Scarlett Johansson) está recién licenciada de la Universidad de Harvard, acompañando en Tokio a su marido: un fotógrafo. Su relación, a pesar de que está recién empezando, pues ambos son jóvenes, ya está con problemas de comunicación. Charlotte se siente, totalmente, fuera de lugar.

Esta, por donde se mire, es una pareja poco convencional. No obstante, Sofía Coppola (guionista y directora) supo crear una atmósfera llena de convergencia entre ambos personajes. Lazos que, sin duda, los irán uniendo tan rápido que ni ellos se percatarán cuándo empiecen a necesitarse.

Si vemos “Perdidos en Tokio” por segunda vez, nos daremos cuenta de ciertos detalles. Por ejemplo, durante el trayecto que realiza el personaje interpretado por Hill Murray en taxi (desde el aeropuerto hacia el hotel donde se hospedará) se muestra asombrado ante la masiva publicidad protagonizada por él.

Pero… ¿no se supone que él viajó, exclusivamente, para realizar esa campaña?

Si vamos hacia el final del filme, Coppola no deja que el espectador sepa qué se dicen los protagonistas durante la despedida. ¿Habrán quedado en reencontrarse unos días después en el hotel? Si seguimos esta lógica, será más fácil comprender porqué no muestran angustia, sino conformidad.

Es probable, también, que luego del reencuentro ambos decidieran dejar todo lo que los ataba de lado, para empezar una historia juntos. Él, dejando a su esposa y ella a su marido. Sólo de esta forma, podrían auto-realizarse, gracias a la comprensión mutua y la infinita empatía que sintieron desde su primer encuentro en el hotel de Tokio.

Ojo, esta es sólo una teoría. Lo más probable es que la gente encargada de los Oscar no piense lo mismo. Quizá ni la propia directora sepa de esto.

Perdidos en Tokio, trailer

Lee la crítica, aquí

CINE E HISTORIA: "La Vida es Bella"

Hacer una película que utilice como telón de fondo a alguna de las catástrofes universales, puede tornarse en algo complejo. Los temas deben ser tratados con implacable precisión, preocupándose de no atentar contra la memoria de ninguna de las partes involucradas.
Por: Carolina Cepeda M.

La Vida es Bella , trailer

Roberto Benigni (director y protagonista) lo sabía. Sin embargo, confió en que tenía algo grande en mente y debía desarrollarlo. Fue así como se abarcó en su sexto trabajo como director y guionista: “La Vida es Bella” (1998).

Lo que pretendía narrar audiovisualmente, Benigni, era una comedia/drama/romántica, inserta en el Periodo de Entre Guerras y durante la II Guerra Mundial (1939 - 1945). Una idea bastante paradójica si tomamos en cuenta todo el contexto histórico que esto conlleva. Equipo técnico y elenco, aquí

Roberto Benigni logró ejemplificar, a través de la parodia, el ambiente fascista de la época. Su personaje intenta demostrar irrisoriamente porqué la raza Italiana es superior a las demás, enfocándose al aspecto físico, principalmente.

Escena de La Vida es Bella

Otro punto clave en el filme, sucede en la cena donde era celebrado el compromiso entre Dora -encarnado por Nicoletta Braschi- y su prometido fascista (a quien no amaba). Es importante mencionar que en aquella gala hay un huevo proveniente de un animal exótico africano, llevado por un mozo etiope. Esto ejemplifica el nacionalismo y el triunfalismo que se vivía en Italia, durante esa época (anterior a la Segunda Guerra Mundial). Habían conquistado Etiopía con la fuerza de las armas y por ende, se sentían inmensamente superiores. Estaban convencidos de que su país se había convertido, finalmente, en una gran potencia.

La primera pista entregada por la película, acerca de la alianza y admiración entre las políticas italianas y alemanas, es otorgada por una de las colegas de Dora. La docente se muestra sorprendida por el nivel de educación impartido en las escuelas de Alemania. Para demostrarlo, comentó un ejercicio matemático donde la ecuación aludía explícitamente al exterminio de inválidos, ancianos e inmigrantes, para abaratar los costos de la nación aria.

Lamentablemente, las consecuencias del fascismo y la alianza de Italia con la Alemania-nazi, llevaron a la matanza de millones de judíos, entre esos, judíos italianos, que si bien no eran muchos, sí fueron perseguidos y llevados a campos de concentración, como los personajes de la película.

Dora y Guido formaron una familia junto a su hijo Josué, la cuál era mantenida gracias al trabajo como pedagoga de ella y la librería de él.

Mientras Guido y Josué caminan por la cuidad italiana, el pequeño le preguntó al padre que por qué en ciertos establecimientos no estaba permitido el ingreso de judíos y perros. A esta interrogante, Guido le respondió con dinamismo que quizás no eran del agrado de los locatarios, contrapreguntádole si detestaba algo para evitarle el ingreso a la librería. De esta manera, evitó que el niño comprendiera la situación, convirtiendo todo en un juego simplista. Pronto se desataría la Segunda Guerra Mundial.

Guido, su tío que era anciano y Josué fueron deportados para ser trasladados en tren al campo de concentración alemán, por ser judíos. Esto sucedió en el cumpleaños del niño.

Dora al ver el desastre dejado por los nazis en su hogar, decidió tomar el ferrocarril, a pesar de no estar contemplada en la lista. Ella era de raza italiana.

Durante el trayecto, Guido con la complicidad de su tío, convencieron a Josué que el viaje era su regalo de cumpleaños. Una vez instalados en el campo de concentración, el padre interpretó las ordenanzas del general nazi a cargo, como un con curso. Todo para que Josué no se arriesgara a ser visto, y creyera que concursaba para ganarse un tanque.

Así, durante “La Vida es Bella”, Roberto Benigni nos relata el holocausto desde otra perspectiva. Nos entrega una mirada romántica, en medio de la tragedia, donde el amor puede superar hasta lo más horrible.

Gracias al personaje interpretado por Benigni, el menor vivió ese trágico periodo sumergido en la fantasía de un gran concurso, a la espera de hacer realidad su sueño: Un tanque de verdad. Tanque de procedencia americana que, finalmente, lo liberó de tanta amargura y horror, devolviéndolo a los brazos de su madre.

Esta película ha sido premiada en diversas partes del mundo, algunos de ellos son:

• Celebrado en 1998 en la ciudad de Londres, mejor película, Premio del cine europeo.
• En Francia, Premio del Jurado en el Festival de Cannes en 1998.
• En Grecia, Festival de Cine Internacional de Atenas, Premio de audiencia, en 1998.
• En Polonia, Festival de Cine Internacional de Varsovia, Premio de audiencia, en 1998.
• En Canadá, Festival de Cine Internacional de Vancouver, como la película mas popular en 1998.
• En Italia, Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine, mejor actor, mejor director, mejor historia original y mejor guión, en 1998.
• En Francia, Premios César, mejor película extranjera en 1999.
• En Alemania, Premios del Cine Alemán, mejor película extranjera en 1999.
• En Australia, Instituto de Cine Australiano, mejor película extranjera en 1999.
• En Estados Unidos, Premios Oscar, ha ganado tres Oscar, mejor actor, mejor película extranjera, mejor música original en 1999.

CINE INDEPENDIENTE: "Garden State"

Hacer cine independiente no es fácil. Es necesario tener una gran confianza en el proyecto a realizar, contar con un buen equipo de trabajo -donde lo esencial no sea el lucro, sino que sacar adelante el sueño del filme- y las agallas.

Así lo entendió Zach Braff (protagonista de la serie “Scrubs”), quien mientras estudiaba cinematografía en la Northwestern University de Evanston-IIlinois, comenzó a trabajar sobre su experiencia de estar lejos de casa y crecer, a través de un guión. Ese fue el inicio de “Garden State”, el cual debió esperar algunos años para ser concluido.

Fue en el 2000 cuando Braff se dedicó por completo a la escritura del guión, lo que finalizó en tres meses en el primer borrador. Antes, lo precedió la documentación y recopilación de variadas anécdotas que le dieron forma a la idea inicial.

Presentó el proyecto en variadas compañías cinematográficas, pero sin victoria. No obstante, su suerte cambió en 2001, tras firmar el contrato para protagonizar la serie “Scrubs”. Gracias al éxito de su personaje, pudo abrirse camino para trabajar en su largometraje.

Video: Zach Braff como el Dr. John “J.D” en "Scrubs"

Pese a su apretada agenda -por interpretación del Dr. John “J.D” Dorian en la telecomedia de la NBC- reunió al equipo, en el que incluyó a Natalie Portman como co-protagonista, para rodar el filme durante una pausa del programa. Todo en un periodo de seis semanas.

El escaso tiempo y presupuesto obligó a Braff a montar las escenas simultáneamente a la filmación, una práctica poco habitual. Durante sus vacaciones dedicó casi todas sus noches y fin de semanas en ello.

En superar la adversidad está la gracia y el resultado fue excelente. Zach logró reunir a un gran equipo de técnicos y actores. La conexión se nota.

Garden State, trailer

El manejo de la historia involucra al espectador en el desarrollo de todo filme. Llega a tal punto la complicidad, que el receptor logra cierta empatía con el protagonista y/o los demás personajes, junto a sus disfuncionales vidas. Por cada minuto que pasa, nacen nuevas expectativas y cuestionamientos sobre qué sucederá.

La fotografía es de esas que buscan el encuadre perfecto. Nítida e innovadora, como aquella escena de la camisa del protagonista en el baño.

Zach Braff, protagonizando Garden State

La cinta cuenta con uno de los soundtrack más alabados por la crítica especializada. A ratos, las canciones toman protagonismo por sí solas, impregnando de sensaciones la pantalla. Sin lugar a duda, es un punto alto en “Garden State”. La melodía correcta en el momento preciso. Échale un vistazo al soundtrack acá.

Escena de Garden State

Es sorprendente el trabajo realizado por el actor en su opera prima, donde además fue director y guionista. Para quienes han visto “Garden State”, Zach Braff dejó ser tan sólo el “actorcito cómico”, pasando a conformar el circuito los directores jóvenes del momento. Por ahora habrá que esperar, a que vea la luz, un próximo proyecto de la nueva promesa del cine independiente.

Compilación de chascarros durante el rodaje de Garden State

CINE EN Ñ: AmarTEduele

Amar te Duele es de esos filmes que arriendas con cierta desconfianza. Lo primero que se pasa por la mente es que es una cinta simplista y sin mayores pretensiones. Sin embargo, apenas pulsas play la percepción cambia.

Por: Carolina Cepeda M.

A medida que avanza el largometraje el director, Fernando Sariñana, nos entrega una radiografía de la sociedad mexicana actual –la cual es perfectamente aplicable a la nuestra, pero quizás en un menor rango - con todos los prejuicios socioculturales que conllea.

El idilio adolescente, las adicciones, el arribismo, el sacrificio y el amor son el hilo conductor de Amar te Duele.

AmarTEduele, Trailer

Sin lugar a duda, este filme puede ser calificado como la versión “dosmilera” de Romeo y Julieta, pero mexicana. Lo que no es necesariamente malo, al contrario: es un punto a favor.

¿Por que? Simple, pues el amor desgraciado es lo que más consume el público, en especial el adolescente. Los protagonistas son todos chicos que no sobrepasan la mayoría de edad, por ende sus problemas son tratados con mucho más dramatismo.

La fotografía de este filme no es perfecta. Sin embargo, la adhesión de comics en la edición es impecable. Técnicas como esta, sumadas al soundtrack –el cual incluye canciones de Natalia Lafourcade, Elefante, Genitallica y Volován, entre otros- ayudan a agilizar el ritmo de la película.

Tema central: AmarTEduele - Por: Natalia Lafourcade

Existe un buen desarrollo del tema y un desenlace que se agradece. La sorpresa es, también, uno de los puntos para destacar.

El juego de palabras en el título es asertivo. Concuerda cien por ciento con la temática central de la obra.

CINE DE AUTOR: Woody Allen

Cuando hablar de “cine de autor” se trata, existe un círculo importante de cinéfilos que ven en Woody Allen un referente imprescindible.
Por: Carolina Cepeda M.

Sin embargo, este no es cualquier público. Para enganchar con los filmes de Allan Stewart Konigsberg -su nombre de nacimiento- es necesario compartir cierto sentido del humor y sarcasmo. Además, no se puede obviar un grado de sensibilidad, para degustar de ese sabor agridulce que poseen algunos de sus trabajos cinematográficos.

Por que claro, Allen no nos cuenta sus historias de forma lineal y sin trasfondo más que el aparente. Él va más allá, a pesar de que sus temáticas recurrentes sean el sexo, Dios, el judaísmo y la muerte. ¿Adónde? Quizás puedas sacar tus propias conclusiones, tras conocer algunos de los aspectos de su vida que desglosaremos a continuación:

Si bien este director “newyorkino”, nacido en 1935 en el barrio Brooklyn, creció en una familia judía de clase media, definida por él como: "burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa", no se limita al ironizar a costa de los episodios presenciados durante su infancia, adolescencia y adultez.

El paso por la educación formal no fue grato. Desde el comienzo, al ingresar a la Escuela Pública 99 de Brooklyn (a los cinco años) se vio afectado, produciéndose su primer cambio de carácter. Tiempo después, calificó al establecimiento como “una escuela para maestros con trastornos emocionales”. Recopilación de sus frases célebres, acá.

El panorama no cambió durante secundaria. A pesar de ser un alumno destacado en el deporte y la literatura, pasó inadvertido. Los compañeros de su generación, a penas lo recuerdan.

Claro que esto fue intencional. No estaba contemplado en los planes del adolescente Allen, ser el rey del baile. “Yo no quería ser Bogart, tampoco quería ser John Wayne. Sólo quería ser el capullo de la clase. Quería ser ese chico con gafas que nunca consigue a la chica, pero que es divertido y cae bien a todo el mundo”, comentó el director a una revista de Nueva York.

Caricatura de Woody Allen.

No obstante, fue en ese escenario donde desarrolló su "pluma". Mediante las redacciones escolares, siempre dejaba ver su humor.

Con tan sólo 16 años inició una carrera de humorista, asociado a otros de edad adulta, firmando con el pseudónimo de Woody Allen. Sus tiras fueron impresas en diferentes periódicos de la cuidad.

A fines de 1953, se abarcó en que fue su última experiencia académica formal: la Universidad de Nueva York. Ahí cursó materias de producción cinematográfica. No obstante, las clases no eran de su agrado (duró tan sólo un semestre). Su interés se limitaba en asistir a las proyecciones de películas que tenía la asignatura.

Por su poca asistencia, crítica y desinterés un profesor le dijo: “No eres material de universidad. Creo que tendrías que recibir ayuda siquiátrica, porque me parece que no tendrás mucha suerte para encontrar trabajo”.

Sin lugar a duda, aquél pedagogo no era clarividente. Allen se caracteriza en el medio por su arduo nivel de producción cinematográfico, traducido en filmes frecuentes (casi uno por año). Su catálogo cuenta con 41 títulos en los que trabajó como director, guionista y actor. Más cuatro en los que sólo hizo gala de su maestría teatral. Conoce su filmografía. A un sólo click.

No obstante, en lo referente a la ayuda psiquiátrica no se equivocó. Hasta hoy, el impredecible Woody, asiste a reuniones frecuentes con su terapeuta, debido a su hipocondríatica personalidad y algunas fobias.

Conocer parte de su historia y algunos hitos que remarcaron su personalidad observadora de la sociedad contemporánea, es fundamental para sintonizar con sus historias. No hablamos de cualquier persona, sino que de un salmón que ha nadado desde siempre contra la corriente.

Recomendación:
Próximanete será estrenada la última producción de Woody Allen en las salas chilenas. Hablamos de “Scoop”. Lee la crítica aquí.




Entrevista a Woody Allen acá.